IV FESTIVAL DE CINE UNDER - sede Rosario

Programa por Día

SEDES:
Sala del Museo Diario La Capital: Sarmiento 763
Tercer mundo arte bar: Rioja 1089

entrada: $5 (Sábado $10)
PROGRAMA

Reseña de Películas por Secciones:

Interferencias - Música y cine
El rock y el cine se han cruzado en forma permanente, encontrando en la menospreciada forma del videoclip un campo propicio para la experimentación con sus interferencias. Aquí, desde el clip como forma autónoma (como forma expresiva antes que como vehículo comercial) hasta la ficción anclada en el universo del rock, se transitan algunas de esas formas en que la música y la imagen establecen un contacto íntimo y creativo.

Capital (todo el mundo va a Buenos Aires)
(Augusto Gonzalez Polo, 2007 - 119 min.)

"Capital (todo el mundo va a Buenos Aires)" parece partir de ciertos lugares comunes de las películas sobre adolescentes (algo tardíos, en realidad) y de ciertas recurrencias del último cine argentino en pose 'indie', pero a los pocos minutos de desarrollo la película despliega una personalidad arrasadora y cautivante. Allí, apenas "Capital" toma vuelo, comienza a desbordarse de una profunda y sincera sensibilidad, de un ingenio poco frecuente, y de un humor efectivo siempre teñido de melancolía. Con una estética admirable arraigada conscientemente en la cultura del rock y del comic, "Capital" nos sumerje inevitablemente en un mundo hipnótico de percepciones inmaduras y trastocadas. La pérdida amorosa es aquí el motor de una serie de situaciones que plasman el universo en crisis de chicos que rondan los 20 años y que, con sutileza, lo trasciende hacia otros vértices: la dicotomía interior-capital, las expectativas individuales y los condicionamientos sociales, el rol de la música en nuestras vidas, los vaivenes incomprensibles de la relación amorosa, y otros muchos más trascendentes como la diferencia crucial entre Coldplay y Radiohead.
Rock y cine, en "Capital", se funden maravillosamente hasta hallar su eje vital en un momento crucial de nuestras vidas, una etapa desiciva en que todas las canciones parecen hablar de nosotros y nos hacen trastabillar a cada paso, una etapa en que el humor y la tristeza se indiferencian tanto como el odio y el amor; una etapa que, pocas veces en las películas, fue plasmada con tanta sensibilidad y madurez como en esta. Con música original de Sebastian Kramer y canciones de Jaime Sin Tierra, Bicicletas, El Robot Bajo El Agua, Ambar y Diosque.

Mariano Goldgrob - videoclips
(2007/2008 - 20min. aprox.)

Mariano Goldgrob realizó videos musicales para bandas locales y trabaja como programador para el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. "Mono" fue su primer largometraje, co-dirijido con Mauro Andrizzi, un documental inusualmente contemplativo sobre la escena del rock independiente de Buenos Aires.
Por fuera de los clichés y los estándares de producción habituales del género, Goldgrob construye en sus clips, en un poético gesto de apropiación, una transcripción personal y precisa de la canción y el grupo abordados. No hay aquí exuberancia vana ni artificios, hay en cambio errancias y contemplaciones, urgencia y sutileza, crudeza y exactitud, elementos formales cinematográficos en general excluidos del territorio del videoclip.
Mención aparte merecen los grupos 'retratados' por Goldbrob: Bauer, Los Alamos, The Baseball Furies. Grupos esenciales de una escena independiente en la que surge lo más notable y original del rock argenitno, que en su faceta oficial tan acostumbrados nos tiene al vaciamiento y a la repetición de formulas. Otro caso es el de "L.V.T.I.A.P.I.M.A.", un videoclip apócrifo, un hipnótico diario de viaje, la sombra de una película alucinada, y una canción maravillosa de Jackson Frank, un gran cantante folk norteamercano un tanto ignorado.

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Star(s) , de Vera Baxter
(Puesta Audiovisual: música en vivo + video)

Vera Baxter vuelve con "Star(s)" a construir una puesta audivisual en una línea que había dejado de lado. Aquí, con temas de su aún postergado tercer disco ("La tercera parte de la noche"), el grupo establece una conexión más directa de la música ejecutada en vivo con las imágenes y los textos. "Star(s)", la puesta, es un recital y es un video que discurren sobre una mujer, una niña, un hombre, y un grupo. Pero, ante todo, es una puesta audiovisual sobre la necesidad de encontrar un refugio posible, en el mar o donde sea. Tal vez, a fin de cuentas, en esas mismas canciones que estructuran este itinerario destinado al fracaso.
La puesta "Star(s)" fue estrenada recientemente en el último Festival de Cine de Mar Del Plata, en el marco de la sección "Soundsystem - Música y cine".

Vera Baxter es: Carolina Piva (voz y acodeón). Gustavo Galuppo (bajo); Hernán Ainsa (guitarra); Fabio Scarponi (violín); Gabriel Cejas (batería)

www.myspace.com/verabaxter
www.sadnessdiscos.com.ar/verabaxter.html
www.lastfm.es/music/vera+baxter

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Filtraciones - Aproximaciones narrativas
Desde la más extrema experimentación formal hasta la búsqueda de nuevos códigos dentro de las estructuras narrativas clásicas, estos trabajos asumen el acto de narrar como una problemática a desarrollar mediante una profunda conciencia del medio que utilizan, dejando filtrar elementos formales extraños a las figuras convencionales que desestabilizan la idea del relato desviándolo hacia territorios expresivos más ricos y personales .
En "El sueño del perro", Paulo Pécora construye con sutileza un relato que flota entre la realidad y el sueño; "Lalo va", de Lucas Gallo, pone en crisis una rigurosa mirada documental mediante una aparente puesta en escena que atraviesa toda convención; y Tetsuo Lumiere, con su delirante compilación de cortos, retoma la comicidad física del cine mudo y la lleva hasta el límite del absurdo.

El sueño del perro
(Paulo Pécora, 2008 -95 minutos)

"El sueño del perro" narra la historia de una resurrección espiritual. Y lo hace estableciendo un vínculo estrecho entre realidad y fantasía, con un estilo que apunta a darle un clima onírico y poético al relato. La película describe, como si se tratara de un sueño, el difícil recorrido interior que el protagonista emprende hacia una vida nueva, más plena y feliz. Se trata de una película sobre la amistad y sobre cierto tipo de relaciones fundadas en el respeto y la solidaridad. Una película en la que, buscándose a sí mismo, el protagonista encontrará un mundo de aventuras, sueños y heroísmo. Un mundo extraño, en el que recobrará su fe en la vida y los seres humanos.
Paulo Pécora, con "El sueño del perro", abandona el universo admirablemente recorrido del cortometraje para abordar el riesgo de una construcción diferente. Su notable obra desarrollada hasta el momento se bifurcaba en dos vertientes: las historias de desamor ligadas en parte a las propuestas formales de la Nouvelle Vague, y las oscuras construcciones fantásticas de corte algo lyncheano. Con su primer largo, "El sueño del perro", tal vez reescriba y reprocese ambas líneas para configurar una nueva, una especie de realismo quebrado por el discurrir onírico. Una búsqueda en la que el devenir poético construye un filo impreciso entre la realidad y el sueño.

Lalo va
(Lucas Gallo - 55 min, 2007)
Bien en los márgenes de la Ciudad de Buenos Aires, junto a su río y a pocos metros de su Ciudad Universitaria, contra todo pronóstico un pequeño asentamiento se resiste a ser evacuado. Trece escenas de una mirada distante y libre de juicios de un mundo casi surrealista: sin embargo, las diferencias entre aquél mundo y el nuestro acaso sean menos de las que imaginamos…
"Lalo va" discurre con lentitud y distancia sobre la vida de un grupo de excluidos. A partir de una estructura fragmentada y episódica, la mirada documental se deja invadir por sesgos de una puesta en escena que colocan a la película en un sutil territorio de litigio. Así, cabalgando con tranquilidad y seguridad sobre ese delicado límite entre el registro documental y la puesta en escena, "Lalo va" nos introduce en un mundo tan distante y extraño como cercano y reconocible.

Tetsuo Lumiere - cortometrajes
(2000/08 - 30 min.)

Tetsuo Lumière, comenzó a filmar sus primeros cortometrajes en 1995, luego de participar en numerosas obras teatrales en el circuito alternativo como actor, escritor y director. Siempre experimentó con el humor de las comedias físicas de los años 20. . “TL-1, Mi Reino por un platillo volador”, un delirante documental apócrifo, es su primer largometraje, y esta nominado para el Cóndor de Plata, como mejor Videofilm. Actualmente se encuentra produciendo "TL-2".
En este selección de cortos que abarcan 8 años de trabajo, se establece con claridad el particular estilo de Lumiere, un estilo forjado sobre la base estética del cine mudo, donde el alucinado histrionismo del director/actor retoma el humor físico de Buster Keaton y Harold Lloyd con una contundencia notable. La comicidad de Lumiere, absurda y salvaje, destila en su ingenio constante una imaginería desopilante y un profundo amor por ese cine burlesco y por las producciones Clase B.

Texturas – del Súper 8 al digital
Más allá de que en este tiempo lo digital ha marcado la hibridación e indiferenciación de los soportes, el trabajo artesanal sobre el Súper-8 sigue teniendo una vigencia liberadora, conformando un gesto mediante el cual el trabajo artesanal se abre hacia nuevos campos a explorar con otros medios tecnológicos. Las obras que integran esta sección han sido elaboradas con plena conciencia de la importancia expresiva de la texturas de la imagen, trabajando sobre los cruces entre soportes diversos: los videos de Denegri y Galuppo, provocando hibridaciones entre el fílmico y el digital, y Mateo Amaral, con sus puras y casi abstractas construcciones numéricas.

Grito
(Andrés Denegri, 2008 - 24 minutos)

"Grito" trabaja con recuerdos autobiográficos, imágenes que retumban en la cabeza y se atoran en la garganta. Filmaciones en Súper 8 son revisadas por una mirada que intenta echar luz al paradójico vínculo entre los afectos y la ideología.
Con "Grito", que sigue el curso del también notable "El ahogo", Denegri da un giro en su ya destacada videografía. En este trabajo, de oscura precisión y contundencia, se atreve a bucear sobre su pasado familiar a partir de fotos y registros en Súper 8. El tiempo histórico se diluye en esta red intrincada en la cual los recuerdos se actualizan en afecciones nuevas y discordantes. Todo, en este pasaje del Súper 8 al reprocesamiento videográfico, es colocado en una perspectiva inédita que no se conforma con evocar el pasado, sino que en cambio lo mira de nuevo para volver a pensarlo y sufrirlo.

Sintoniza Ruido
(Mateo Armaral Junco, 2008 - 50 min.)

Dentro de la tormenta electrica se amontonó la nieve sobre los tejados y lo unico que se sabe es que paso mucho tiempo desde el primer copo. Ahora los relampagos dibujan el retrato como un sintetizador gigantesco. 50 minutos de ciencia ficción abstracta.

Sunshine (work in progress)
(Gustavo Galuppo - 2008, 38 min.)

"Sunshine" es un trabajo en proceso, pero un proceso que, cabe aclarar, quedará inconcluso. La idea de un pre-cine, un cine científico desarrollado por pioneros mucho antes que la institucionazación del cine-espectáculo de los hermanos Lumiere, se pone de manifiesto mediante la exposición biográfica de uno de sus supuestos precursores, Jacques Steiner. A partir de esa línea, y creando conexiones con un presente videográfico cercano al autorretrato, "Sunshine" se propone la tarea absurda de buscar una utilidad para las imágenes. "Sunshine" es, entonces, un falso work in progress, un falso documental, una obra fallida, un video sobre el fracaso y sobre la determinación obstinada de seguir intentando.

RETROSPECTIVA: ERNESTO BACA
Ernesto Baca viene construyendo desde hace algún tiempo una obra cinematográfica tan particular como arriesgada y subyugante. Entre la deconstrucción narrativa y el trabajo artesanal sobre las texturas del Súper 8, Baca propone un cine concebido al margen de cualquier tipo de convención. Presentamos en esta muestra sus últimos 3 largos, obras que constituyen una viaje fascinante a un universo audiovisual que se obstina en trascender la representación epidérmica de lo físico, obras que buscan establecer un nexo con el espectador que va más allá del relato, que busca obstinadamente la trascendencia en la magia posible del cine y su materialidad.
"Samoa", "Semen", y "Música para astronautas", un viaje hipnótico y perturbardor en tres etapas. Sobra aclarar: imperdible...

Samoa
(Ernesto Baca, 2005 - 70 min.)

Rompiendo las barreras del cine narrativo, dejando de lado las estructuras y la correlación entre el sonido y la imagen, la búsqueda de Ernesto Baca es una de las más radicales y arriesgadas de la cinematografía contemporánea. Porque implica una interacción particular por parte del espectador, transformando cada visión de "Samoa" en una experiencia única e irrepetible, distinta a las anteriores, distinta a las posteriores.
No hay en esta película ninguno de los usuales anclamientos del cine más tradicional. No hay historia lineal, no hay drama, no hay nada que se pueda narrar con palabras. "Samoa" es una invitación a la meditación; un viaje a un universo donde las sensaciones gobiernan; un trance psicodélico basado en imágenes de aparente orden azaroso, de sonidos estridentes y relajados, todo unido por un onírico fluir que podría interpretarse como el caos que le da sentido a la existencia misma.
El viaje físico, devorando rieles y vías de tren, se transforma en metafísico, donde la lógica pasa, lisa y llanamente por dos palabras: las sensaciones y las percepciones. Baca se comprometió físicamente con su proyecto, trabajando sobre película Super 8, dibujando formas abstractas, quemándola, interviniéndola en todas las acepciones posibles de la palabra. El resultado sólo puede ser definido con otras dos palabras: original e inusual. Si es que la expresión puede ser utilizada en algún caso, quizás este sea el indicado: Ernesto Baca es un terrorista de los sentidos.


Semen
(Ernesto Baca, 2007 - 65 min.)

"Semen" es el tercer largometraje de Baca, que cuenta también con una larga serie de cortometrajes experimentales realizados en Súper 8. El primer largo fue "Cabeza de palo", un muy personal y virtuoso ejercicio narrativo (sin diálogos) que oscilaba entre el retrato realista y la irrupción de lo poético. "Samoa", el segundo largo, viraba ya más directamente hacia el camino seguido por sus cortos, la experimentación directa y artesanal con el mismo soporte, el Súper 8, erigiendo una admirable y deslumbrante construcción cercana a las formas y el ritmo puros que dejaba vislumbrar apenas una narración posible (o varias, en realidad).
"Semen", el tercero, está entre ambos. Aquí arriesga la extraña construcción de un film que desarrolla paralelamente un proceso externo y otro interno. Hay, por un lado, una serie fragmentada de situaciones clave, cuerpos que en sus poses y acciones mínimas van delineando el derrotero de la historia, y por el otro, un trabajo abstracto sobre el soporte que intenta rendir cuentas de lo irrepresentable: el proceso vital interno que sacude a esos mismos personajes. Y es que "Semen" discurre sobre la caída en los abismos de la brutalidad y sobre la potencia vital que todo lo trasciende. Y, por eso mismo tal vez, discurre sobre la desatinada búsqueda de imágenes cinematográficas que puedan rendir cuentas de algo que excede a lo puramente físico y material.
El universo de Baca, en cada película, se construye y se deconstruye en una desmesurada y arriesgada búsqueda sin pausa. Eso sólo, ese mismo gesto alucinado, lo ubicará por mucho tiempo entre lo más destacado de la cinematografía argentina.

Música para astronautas
(Ernesto Baca, 2008 - 64 min.)

Última etapa del viaje hasta hoy: el último film de Ernesto Baca retoma ciertas líneas de "Semen" para esbozar en los primeros minutos una narración posible, pero al poco tiempo el centro se escabulle y comienza un cíclico viaje por la periferia de los sentidos. No hay ya un centro visible, múltiples líneas se cruzan entre nudos y desvíos componiendo antes que nada una red alucinada de asociaciones posibles. Pura experiencia sensorial, única y desbordada. Los fragmentos de una historia que ha estallado en mil esquirlas dispersas se incrustan en los ojos en un remolino de abstracciones y ensoñaciones. Aquí Baca se multiplica, ya no es sólo él, y ejercita la cita cubriendo un rango que va desde Abel Gancé hasta David Lynch, desde Rene Clair hasta Stan Brakhage, y finalmente, de ese extrañísimo mixage, surge su obra más personal y arriesgada hasta el momento.

IV FESTIVAL DE CINE UNDER

El festival de Cine Under es una herramienta social de visibilización y coordinación. Es un evento anual, producido en red, en varias ciudades simultáneamente (con sede original en Buenos Aires), que permite mostrar producciones audiovisuales inéditas, experimentales o fuera del sistema industrial. Son más de 30 sedes las que funcionan actualmente, trabajando en forma coordinada y conjunta, compartiendo programación o, en algunos caso, generando programas propios con perfiles específicos.

DEL MIÉRCOLES 10 AL SÁBADO 13 DE DICIEMBRE - ROSARIO

En esta tercera edición rosarina del Festival de Cine Under intentamos continuar el arduo pero gratificante trabajo de buscar, descurbir, y difundir esa otra cinematografía que no accede a los circuitos oficiales de distribución masivos. La idea aquí no es establecer rasgos específicos del under a través de características estéticas excluyentes, sino que, en cambio, se aborda un espectro expresivo amplio que cubre diversos géneros y formatos, desde el experimental hasta la ficción, pasando por los replanteos del formato documental y la experiencia a veces subvalorada del videoclip. El criterio unificador de este nueva selección corre su eje entonces hacia la posibilidad de visibilizar un material cinematográfico de distribución restringida por los condicionamientos de un mercado cultural cada vez más brutal y restrictivo. Aún así, algunas de estas obras han pasado por festivales de prestigio, otras pueden frecuentar los circuitos institucionalizados del (video) arte, pero todo esto, claro está, sucede siempre lejos de Rosario, lo cual las sigue ubicando frente a nosotros en ese mismo terreno de las expresiones invisibles o vedadas.

De todo esto entonces la necesidad de este festival, de la certeza de que hay otra producción argentina admirable que no reconoce las limitaciones del mercado cinematográfico, televisivo, o musical, porque claro, la música tendrá siempre un lugar privilegiado en esta sede.

Y de ahí también la confianza en este proyecto colectivo, y el enorme orgullo de posibilitar la exhibición de un material admirable por sus cualidades y por el riesgo asumido frente a la barbarie del vaciamiento generalizado.

NOCTURAMA (Ciclo Syndrome de música en vivo + clips)

Viernes 25 de abril
Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario


PROGRAMA

Presentación de bandas en vivo que recorren el panorama alternativo del rock y la electrónica argentinos.


THE BASEBALL FURIES (bs as) myspace

Se podría pensar tal vez en una extraña hibridación entre el folk psicodélico de Mazzy Star, la relectura extasiada de los clichés rockeros vía Velvet Underground, las desmesuradas atmósferas instrumentales de God Speed You Black Emperor!, y el space-rock de Spiritualized, para llegar a una idea aproximada de lo que esta banda de Buenos Aires intenta esbozar desde su conformación en el 2005. Atmósferas espaciales que discurren entre la ensoñación y la explosión contenida, canciones lisérgicas que parecen arrancadas de la mente de un improbable cantante folk de otras galaxias, y una posible referencia (el mismo nombre, The Baseball Furies) a una mítica película de fines de los 70’s, The Warriors (Walter Hill), como declaración de filiación a un cine periférico que, como la misma música del grupo, intenta dinamitar y reescribir las normas de los géneros dominantes (si es así la referencia, The Furies era aquella pandilla de The Warriors vestida con trajes de jugadores de baseball, armados con bates, y pintarrajeados a mitad de camino entre la mueca grotesca de La Naranja Mecánica y el mimo endemoniado de la posterior El Cuervo).


VERA BAXTER myspace

Desde el 2007 Vera Baxter propuso una reestructuración de su formación clásica alejándose tal vez de ciertos rasgos que los acercaban (dificultosamente) al terreno de un improbable trip-hop anómalo. ¿De que hablamos ahora al hablar de Vera Baxter? Tal vez de un cierto espíritu obstinadamente gótico contaminado por otras sonoridades: desde el folk norteamericano hasta la canción francesa, desde el vals enfermizo hasta los aires del folklore centroeuropeo, y desde la música de cabaret hasta el dark-rock de los 80’s. Hoy Vera Baxter, como sexteto, se encuentra plasmando el resultado de la transformación en lo que será su tercer CD (aún sin título!) a editarse en julio de este año. Esta presentación configura entonces un adelanto de estas mutaciones que serán plasmadas en el nuevo disco de la banda, y un regreso al formato de puesta audiovisual en la que se cruzan la ejecución de música en vivo con la utilización de imágenes de video como marco de la escena.

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Set de clips:
Nick Cave and the Bad Seeds, The Dresden Dolls, The Black Herat Procesión, 16 Horsepower, Calexico, Leonard Cohen, Yann Tiersen, Siouxie and the Banshees, The Tiger Lilies, Tom Waits, Bauer.

VIERNES 14 - 22 hs

-RETROSPECTIVA: NARCISA HIRSCH. PROGRAMA 1
Aleph (2005, 1 minuto) / A-Dios (Reedición 2006: Daniela Muttis, 21 minutos)

-L.V.T.I.A.P.I.T.A (Mariano Goldgrob, 2007. 4 minutos)
-Cerca de Bony (Andrés Denegri, 2006. 30 minutos)
-Siemprenunca (Paulo Pécora, 2006. 12 minutos)
-Ecos's (Lisandro Bauk, 2007. 13 minutos)
-Abc, etc (Sergio Subero, 2006, 20 minutos)
-Cámara fría (Marcos Martinez y Hernán Lucas, 2006. 40 minutos)

SABADO 15 - 22 hs

-Jallalla Bolivia (Diego Fidalgo, 2007. 24 minutos)
-Escondida (Marco Bocchicchio, 2005. 13 minutos)
-Inside/out (Lisandro Bauk, 2007. 9 minutos)
-Uyuni (Andrés Denegri, 2006. 8 minutos)
-Las sonámbulas (Ernesto Baca, 2007. 6 minutos)
-Grunli, lo que quedó.Capítulo 0 (Alejandro Sáenz, 2007. 48 minutos)

Charla:
-Alejandro Sáenz (Grunli): "Búsquedas estéticas en video a partir del software de edición"

En vivo:
-MALYEVADOS (Bs.As. Tango-fado-vals)

DOMINGO 16 – 21 hs

-RETROSPECTIVA: NARCISA HIRSCH. PROGRAMA 2
Rumi (1999, 27 minutos)

-Un testimonio (Roque Catania, 2006. 30 minutos)
-Aunque estés lejos (Paulo Pécora, 2003. 5 minutos)
-El día de la independencia (Federico Lastra, 2006. 8 minutos)
-MONO (Mauro Andrizzi y Mariano Goldgorb, 2007. 80 minutos)

videoclips

CIERRE

PROGRAMA - secciones detalladas

Retrospectiva:

Narcisa Hirsch

Tal vez aquí se encuentre el eje de esta muestra, una breve mirada retrospectiva sobre una de las obras más importantes generadas dentro del panorama del cine experimental argentino. Narcisa Hirsch es una de las figuras históricas fundamentales de esa corriente, junto a Claudio Caldini, Horacio Valleregio y Marielouise Aleman.

Primera y gran oportunidad en Rosario de acercarse a la obra admirable y bella de una artista que sigue activa transgrediendo fronteras y medios expresivos, construyendo a través del tiempo una poética personal y arrebatadora.

Narcisa Hirsch nació en Berlín en 1928, es cineasta, con una larga trayectoria en cine experimental. En la década del 60 y 70 expandió su actividad en forma de instalaciones, objetos, performances, graffittis, intervenciones urbanas. En sus obras expone temas centrales como el amor, el nacimiento y la muerte, o interrogantes sobre la condición femenina, recreados a través de un lenguaje de imágenes particularmente íntimo, con una marcada poesía visual y sonora. Hasta el momento tiene realizadas más de 30 películas en súper 8 y en 16 mm. Entre los que figuran largometrajes, cortos, y documentales. Entre los títulos más destacados se encuentran: Come out, A Dios, Ama-zona, Bebes, Mujeres, Homecoming, Pioneros, Ana dónde estás, La pasión, Testamento, Vida interior, y Rumi.

En esta ocación presentaremos:

Aleph
El Aleph es el punto donde el tiempo diacrónico y sincrónico se encuentran, y nuestra vida puede ser una experiencia de “toda una vida o de un minuto”.
Los instantes se suceden unos a otros pero al mismo tiempo y a la vez cada instante tiene la profundidad de campo de lo infinito y eterno.
Cada segundo representa una instancia de la vida del nacimiento a la muerte.
El Aleph es el punto que concentra esas instancias.
Dirección: Narcisa Hirsch - Edición: Daniela Muttis - Sonido: Nicolás Diab. Año 2005 / Dur. 1´

A-Dios

Un hombre vuelve de la guerra vencido, vuelve al hogar.

Es el fin de las batallas y de las ideologías.
Según Susana Balán (terapeuta y escritora que se dedica a pensar el tema del amor), hay cuatro arquetipos de lo masculino:
Los héroes, jóvenes que son contestatarios y cuestionan el poder de los dioses
Los dioses que han sido jóvenes y pudieron en la madurez seguir siendo poderosos
Los hombres, que son la mayoría, los no cuestionan la sociedad, ni necesitan dominarla, son los que atienden su trabajo y a su familia
Y por último los alquimistas, los artistas convocados a recrear el mundo y por lo tanto marginados transmutan la materia y hacen visible lo invisible.
Dirección y montaje: Narcisa Hirsch. Duracion: 21 minutos

Rumi

Una interpretación en imágenes de los textos de Rumi, poeta sufí del siglo 13.
Intérprete: Julio Galán - Dirección: Narcisa Hirsch - Cámara: Humberto Navarro y Narcisa Hirsch. Año 1999, Original 16 mm. Dur. 27´

Realizadores invitados:

Mauro Andrizzi y Mariano Goldgrob (MONO)
Mauro Andrizzi y Mariano Goldgrob estarán presentes durante la proyección de la película MONO para charlar con el público.

Charla:

Alejandro Sáenz (Grunli):
“Búsquedas estéticas en video a partir de la manipulación del software de edición”

Alejandro Sáenz estudió dirección de cine en el Instituto de Profesionales del Cine, dirigido por Mario Pereyra (1986 -1987) y en el CIEVYC (1988 -1990), cine y televisión con Rodolfo Hermida (1990 -1992), y sin concluir 2 años en la Fundación Universidad del Cine (1991-1992). Estudió pintura en la Escuela Panamericana del Arte y escultura con Danilo Zinger y Maria Causa.

Su obra participó en distintos festivales y exhibiciones de video arte como el Festival Internacional De Videominuto de Brasil (1995), el Festival de Video Arte Franco latino (1996), en el Medienkunst aus Lateinamerika (Berlin, 2002), en La Freewaves (Los Angeles, EEUU, 2002), en el Teatro General San Martín (2002), CC Recoleta (1997), CCR Rojas (1999 y 2003) y el Museo de Arte Moderno (Buenos Aires 2003) Paralelamente a su actividad artística, desde 1994 trabaja en CLAXSON, compañía de multimedios, donde se desempeñó en distintas áreas como realizador y sonido; actualmente integra el departamento de Arte Electrónico en el área de diseño de pantalla.

Se desempeñó también como docente en la Universidad de Buenos Aires en la carrera de Imagen y Sonido (1995-1998), y en el Instituto de Periodismo Especializado de la localidad de Mercedez con la cátedra de periodismo audiovisual (1997-1998). En Buenos Aires Comunicaciones dictó seminarios de edición (1992-1993). Entre 1991 y 1994 fue asistente de Jorge La Ferla en la organización de exhibiciones de video arte (en el Espacio Giesso), del festival Franco Latinoamericano, y en la organización de workshops (con Eder Santos y Sandra Koghut).

Banda invitada

MALYEVADOS

El grupo se interna profundamente en la riqueza de la música de Buenos Aires, hurga entre los pliegues de los géneros, tira de los hilos sueltos del tango, la milonga, el vals, las músicas de este puerto, y teje una nueva trama, simple, sintética y original. Con una instrumentación que no es habitual y alejándose de los abordajes 'renovadores' más transitados -como la complejización armónica o la fusión con el jazz, el rock o el tecno- este cuarteto logra un lenguaje propio que sorprende y emociona

Perspectivas- DOCUMENTAL DE AUTOR

Esta sección reúne cinco obras que transitan diversas formas concernientes a la reflexión sobre la puesta en forma 'documental'. Miradas híbridas que se construyen a sí mismas plasmando su presencia como sello de la subjetividad. Evadiendo siempre los restrictivos y vacíos lugares comunes del documental que puebla la producción audiovisual argentina, estas obras ensayan desde múltiples perspectivas un acercamiento a una realidad que no se presenta como tal, sino en cambio como pura construcción y puro pensamiento audiovisual; elaboración de una mirada personal en diálogo permanente con el espectador.

Cámara Fría

Marcos Martínez y Hernán Lucas, Argentina, 2006, 40 minutos

Cámara fría es un ensayo despojado sobre la falsa idea que el cine construía de Argentina durante la última dictadura. Imágenes, fragmentos, figuras conocidas; por allí desfilan desde Carlitos Balá, ‘Su’ Giménez y Calabró, hasta la inefable dupla repetida hasta el hartazgo de Olmedo y Porcel. Imágenes de baja calidad, extraídas de VHS’s y de TV, acumuladas como una enumeración aberrante que va conformando poco a poco un cuadro estremecedor, indignante y siniestro: el extrañísimo, narcotizante mundo ideal que operaba como telón de fondo de un país en plena ejecución del genocidio.

Cerca de Bony

Andrés Denegri. Argentina, 2006, 30 minutos

Un retrato de Oscar Bony, uno de los más importantes artistas conceptuales argentinos, y un complejo ensayo acerca de las relaciones entre el arte, la política y la historia. Construido desde una cotidianeidad extrañada por la interferencia, y hasta de la confesión íntima apenas contenida, el video discurre entre la contemplación y la desmesura, desgranando y poniendo en relación planteos teóricos y situaciones ordinarias. Oscar Bony conversa en bares, visita y comenta una muestra de Lucio Fontana, trabaja en su taller, planea una nueva obra, y realiza los emblemáticos y perturbadores disparos sobre sus cuadros con una pistola 9mm. Andrés Denegri lo registra, recopila rescatando de lo cotidiano, y finalmente construye este retrato transitando un límite extraño entre la reflexión distanciada y el afecto profundo.

Grunli, lo que quedó. Capítulo 0

Alejandro Sáenz, Argentina, 2007, 48 minutos.

Podría decirse que Grunli es un documental que intenta construir el retrato colectivo de los habitúes de la vinería alemana llamada como el video. Pero en realidad no sería exacto. Grunli, mucho más que eso, es en cambio un proyecto pomposo del cual este capítulo 0, el primero de 4, es apenas la introducción y, tal vez, una especie de compendio caótico y arrebatador. ¿Qué es entonces? ¿Cómo hablar de Grunli en pocas líneas? Tal vez allí se encuentre su principal virtud, en la dificultad de transponer su alucinada fisonomía al lenguaje verbal. Grunli es la hibridación de las formas tradicionales de la plástica y de la tecnología digital. Es la celebración del espíritu lúdico. La añoranza de la infancia perdida. La melancolía. El ensayo de construcción de un espacio y un tiempo puramente videográficos. El placer del juego. La tristeza de la pérdida irrevocable. La certificación de la siempre ineficaz carrera contra el tiempo.

Grunli es, a fin de cuentas, otro video realizado con sensibilidad y virtuosismo por Alejandro Sáenz, y admirablemente musicalizado por Malyevados, un particular grupo bonaerense que hará una presentación en vivo en esta muestra.

Jallalla Bolivia

Diego Fidalgo, Argentina, 2007. 24 minutos.

Diego Fidalgo viaja a Bolivia con una cámara de 16 mm para filmar la asunción de Evo Morales. Paisajes, celebraciones, rituales, formalidades; lo que podría haber sido el material de base para conformar una crónica política sobre un hecho histórico determinado, se transforma en la materia prima de una configuración poética hipnótica y desconcertante. Allí está el registro de la asunción fijada como objetivo, pero sin embargo, lo que se impone y desarticula su lógica ‘testimonial’, es la propia textura del 16 mm vencido, derroído, como arrebatado de algún archivo antiguo, y la cadencia contemplativa y atemporal de todo el conjunto. Podría pensarse que Jallalla Bolivia es, igualmente, testimonio, pero un testimonio anómalo que discurre tranquilamente en un límite impreciso entre la vigilia y la ensoñación.

Un testimonio

Roque Catania. Argentina, 2006, 30 minutos.

¿Cómo filmar la ausencia y el dolor? ¿Cómo dar cuentas del horror sin caer en la más traicionera banalización de las imágenes? Después de todos los horrores el cine argentino ha ensayado una y otra vez la puesta en forma de estas representaciones imposibles. Roque Catania, para sortear estas falencias, se instala en un hueco producido entre la imagen y el espectador. Aquí, en Un Testimonio, hay un intersticio, un espacio virtual del desamparo y la indignación fabricado a partir de la disyunción y de la fractura. Lo que oímos es el registro de eso que declara el título, un testimonio, y quien narra, es la madre de María Luz, desaparecida durante la dictadura militar. Lo que vemos durante todo el video, en cambio, es un recorrido a través de un bosque, cuyo cromatismo ha sido alterado y que es acompañado por el sonido lejano de los pasos que lo atraviesan entre las hojas. No se necesita más. Porque es allí, en ese desfasaje audiovisual, donde se gesta un territorio esquivo, hecho de cruces y desvíos, de correspondencias y rupturas, de pliegues y repliegues. Pura posibilidad. Tal vez la posibilidad imperiosa de construir una puesta en forma respetuosa del horror.

Interferencias

MUSICA Y CINE

El rock y el cine se han cruzado en forma permanente, encontrando en la menospreciada forma del videoclip un campo propicio para la experimentación con sus interferencias. Aquí, desde el clip como forma autónoma (como forma expresiva antes que como vehículo comercial) hasta el documental contemplativo, se transitan algunas de esas formas en que el rock y la imagen establecen un contacto íntimo y creativo.

L.V.T.I.A.P.I.T.A.

Mariano Goldgorb. Argentina, 2007, 4 minutos.

Un viaje en tren registrado con un teléfono celular. Atravesamos Zentropa. La hipnótica cuenta ‘progresiva’ de Europa cadenciosamente recitada por Max Von Sydow. Un tema de XXX. Un clip anómalo. Un video mutante. Un viaje alucinado sin destino ni certezas, apenas con la referencia irreverente de un film emblemático y su director neurótico.

Mono

Mauro Andrizzi y Mariano Goldgrob. Argentina, 2007, 80 minutos.

Mono constituye un acercamiento crudo y directo a las perfomances de 12 bandas que integran el panorama actual del rock under argentino. Una antología despojada donde la heterogeneidad de estilos despliega paso a paso un universo agitado por la electricidad y la adrenalina. Ningún comentario, ninguna apreciación ni juicio de valor, tan sólo el poderoso arrebato de las presentaciones en vivo, y una cámara que con tranquilidad ensaya la construcción del encuadre único y perfecto para cada situación.

Bandas: Los Alamos, El mató a un policía motorizado, Bauer, Los Kahunas, Los Cuzcos, Brian Storming, Norma, Pablo Reche, Turpetine, Hacia Dos Veranos, Los Peyotes y Mc Fly.

VideoClips:

Paulo Pécora/Mi tortuga Montreux

Alejandro Sáenz/Malyevados

Galuppo-Baca/Vera Baxter

Filtraciones - APROXIMACIONES NARRATIVAS

Desde la más extrema experimentación formal hasta la búsqueda de nuevos códigos dentro de las estructuras narrativas clásicas, estos trabajos asumen el acto de narrar como una problemática a desarrollar mediante una profunda conciencia del medio que utilizan, dejando filtrar elementos formales extraños a las figuras convencionales que desestabilizan la idea del relato desviándolo hacia territorios expresivos más ricos y personales . Las cruces y desvíos entre bandas de imagen y de sonido, el rol dramático de las texturas, la contemplación, las construcciones puramente digitales, la renovación de los códigos de genero; búsquedas disímiles e inabarcables que dan cuenta de otras posibilidades de la ficción y su tratamiento.

El día de la independencia

Federico Lastra. Argentina, 2006, 8 minutos.

Ligada a ciertas corrientes de la comedia indie norteamericana, El día de la independencia esgrime con inusual firmeza un manejo admirable de los códigos del humor. Absurda y corrosiva, la historia avanza dibujando un despiadado retrato familiar narrado en primera persona. La intolerancia y la falsa moral de los padres, la homosexualidad del hijo; elementos arrancados del cotidiano que en manos de Federico Lastra dan cuenta de un certero conocimiento de los mecanismos humorísticos de un nuevo costumbrismo queer.

Ecos’s

Lisandro Bauk. Argenina, 2007, 13 minutos.

En Ecos’s Lisandro Bauk construye, antes que un relato, la idea de un mundo inestable y cercano al caos. Un mundo casi inexistente, al borde de la disolución, pura configuración virtual de capas en 3-D. Lo que hay de él es apenas una nueva síntesis (numérica/visual) de fragmentos estallados, esbozos visuales planos, interferidos, rarificados; capas que se suman armando y desarmando con fluidez un estado de cosas inaprensible. Y si subyace entonces la historia narrada (un aletargado relato ligado a ciertos rasgos del género de ciencia ficción), es apoyándose siempre en esta estética admirable que pone en forma un nuevo mundo sin consistencia material, puro dato y síntesis numérica, ruido y desaparición latente.

Escondida

Marco Bocchicchio. Argentina, 2005, 13 minutos

Las texturas de la imagen y la fluidez musical conforman de un modo extraño el centro afectivo de esta obra. Es allí, tal vez, en estas configuraciones sensibles de extrema pureza audiovisual, donde se construye por acumulación la idea de ese refugio buscado por la pareja de adolescentes, hermanos que en sus juegos infantiles escapan del entorno familiar opresivo ofreciendo una poética y sobria visión de los tabúes del incesto. La música es de Alejo Villarino, integrante del grupo Malyevados, otro de los nombres que felizmente se repiten en esta muestra.

Inside/Out

Lisandro Bauk. Argentina, 2007, 9 minutos.

Adentro y afuera. La idea de la contemplación en tiempo muerto atraviesa la integridad de esta obra. Lo externo apropiado y transfigurado para convertirse en una expresión posible de la más absoluta interioridad. Alguien mira, hacia fuera o hacia sí mismo, frente a un espejo. El visionario inmóvil asume el acto de mirar como un diálogo indiferenciado entre lo externo y lo interno, como la construcción de un espacio virtual en el que la contaminación perceptiva da lugar a la puesta en forma híbrida de afecciones íntimas.

Esta idea del ‘visionario’, instaurada en el cine moderno y recorrida en forma recurrente por las corrientes experimentales, encuentra en Incide/out un punto de inflexión al trazar una línea difusa entre el más despojado y azaroso registro contemplativo y el anclaje extrañado en una posible estructura narrativa.

Siemprenunca

Paula Pécora. Argentina, 2006, 12 minutos.

Los cortos de Paulo Pécora oscilan entre dos líneas principales: los acercamientos a los rasgos del horror en su vertiente onírica, y las crónicas urbanas de desencuentros y desamor. Siemprenunca pertenece a esta última línea. “Lo vi en una película, pero podría haber pasado…”, dice el primer texto recitado por la voz en off monocorde y desapasionada del protagonista; lo que sigue (como la breve introducción que lo precede) es la más simple historia frecuentada por el cine: “chico conoce chica”. Pero es aquí donde la cinefilia de Pécora se instala en su alter ego (el mismo personaje recurrente en estas crónicas), y el encuentro amoroso narrado verbalmente no encuentra base en las imágenes: la memoria de alguna ruptura sugerida en soportes diversos y texturas, las historias del cine (Les mistons, de Truffaut, apareciendo en una secuencia), la imaginación construida desde alguna otra película; nada sabremos con certeza al final. La historia es simple, un chico y una chica, pero tal vez ni siquiera haya sucedido.

Con música de Le Mans y de la cineasta argentina Daniela Cugliandolo.

Uyuni

Andrés Denegri, Argentina, 2006, 8 minutos.

Un hombre y una mujer recitan una conversación en tercera persona, la charla mantenida por una pareja varada en Uyuni, Bolivia. Lo que vemos, en cambio, son paisajes transfigurados sutilmente de un lugar que podría ser también ese del título. El tiempo transcurre lento materializándose en esos espacios desérticos, haciéndose casi palpable. Un paisaje tras otro. Una radio lejana. Tiempo y espacio suspendidos en un ciclo que parece no tener fin. La mujer se aburre, está harta y se quiere ir. El hombre está tranquilo y quiere quedarse. Dicen de todo y no dicen nada. Uyuni es un territorio videográfico en trance que parece no ofrecer salida ni desenlace.

Texturas

OBRAS EN SUPER-8

Más allá de que en este tiempo donde lo digital ha marcada la hibridación e indiferenciación de los soportes, el trabajo artesanal sobre el Súper-8 sigue teniendo una vigencia liberadora, conformando un gesto mediante el cual el trabajo de intervención manual se abre hacia nuevos campos al interactuar con otros medios tecnológicos.

Las obras que integran esta sección han sido elaboradas con plena conciencia de la importancia expresiva de la textura de la imagen de Súper-8.

Abc etc

Sergio Subero. Argentina, 2006, 20 minutos.

Cintas de Súper 8 familiares registradas en las playas argentinas durante la década del 70. Registros cotidianos de lo intrascendente. Imágenes ajenas, pero de tan estereotipadas se han vuelto propias, de todos, de cualquiera. Pero Subero realiza sobre ellas una operación de ‘destrucción poética’. Las cintas se queman repetidas veces, se destiñen, las emulsiones se descomponen. Lo que vemos, entonces, es la misma materia afectada por el tiempo y el deterioro, como si buscase edificar la materialidad misma de la pérdida. Lo que hay allí es lo que ya no existe. Lo perdido. Fantasmas invocados por el artefacto. Pero lo que hay allí también se presenta para ser vuelto a ver, para ser redescubierto. No son ya las imágenes familiares de siempre, son en cambio la materialización lírica de un destino inevitable.

Aunque este lejos

Paulo Pécora. Argentina, 2003. 5 minutos

Entre las dos líneas que estructuran la obra de Paulo Pécora (las crónicas urbanas de desencuentros amorosos y el fantástico de tintes lyncheanos) se encuentra este corto particular e inclasificable. La voz de un niño que rememora un sueño, la arena de la playa, el mar (registradas las olas de un modo maravilloso); algunos elementos que comienzan a enhebrarse hasta construir una poética libre y melancólica. Cercano por momentos a una home movie onírica de profundo y simple lirismo, este trabajo en Súper-8 trabaja sobre sus texturas y materialidad sin intervenirlo directamente, sino apenas exponiendo su condición urgente, su debilidad casi 'casera', para establecer finalmente una poética íntima y misteriosa acerca de la ausencia y la necesidad.

Las sonámbulas

Ernesto Baca. Argentina, 2007, 6 minutos.

Un montaje algo lúdico y desenfrenado a modo de collage. Rupturas visuales y sonoras van componiendo en forma fragmentaria una especie de videoclip esquizofrénico. Registros cuadro a cuadro, manipulación directa sobre el soporte, música electrónica y rock de guitarras saturadas. Las sonámbulas, de Ernesto Baca, o el falso trailer de un largometraje nunca realizado.